Gabriel de la Mora (Mexico, 1968) dit que sa dyslexie est à l'origine de son intérêt pour tous les points de vue, pour la dualité des objets et de la réalité. Par exemple, artiste mexicain souligne qu'il est fasciné de penser qu'un être humain peut même être né auparavant, comme il est arrivé à sa sœur, décédée dans le ventre de sa mère avant de voir la lumière. Cela se produit également à l'envers, ajoute-t-il. Des objets qui sont morts il y a longtemps, lorsqu'ils ont cessé de remplir la fonction pour laquelle ils avaient été créés, soudain, ils facturent une nouvelle vie à travers leur manipulation. À propos de cette idée pivotez son art. « Pour beaucoup de mort, c'est la fin de quelque chose, pour moi, c'est le début. J'aime la façon dont un travail peut être créé 130 ans avant ma naissance », synthétise le créateur. Son exposition), composée de 87 œuvres qui couvrent plus de 20 ans de travail, est le grand engagement envers cet automne du musée Jumex, dans la capitale mexicaine. Le Centre d'art contemporain a inauguré ce mercredi avec le reste du catalogue de la saison, qui comprend un échantillon de l'Elsa-Louise Mancceaux français, un documentaire rétrospectif de la Tina Modeotti italienne et de la collection Jumex, qui a récemment acquis par la galerie.
Le titre de l'échantillon est cloué au centre de cette dualité. La «petite mort» est l'euphémisme avec lequel une référence est faite en français à l'orgasme, «au sentiment d'abandon ou de perte qui peut provoquer un plaisir physique à son apogée», comme lu dans la présentation de l'échantillon. « L'orgasme est le seul moment où un être humain ne pense pas. C'est une seconde où le temps s'étend également à quelque chose de beaucoup plus longtemps », explique Mora, faisant une analogie entre les deux types de mort. Pour Tobias Ostrander, conservateur de l'exposition, l'idée était « d'ouvrir des questions sur le type d'obsessions derrière l'œuvre, essayant de confondre ou de mélanger le plaisir esthétique avec le plaisir érotique ». L'effet recherché fait référence au «plaisir du texte» que l'écrivain français Roland Barthes a dit, qui a considéré l'aspiration de toute expression artistique.
L'échantillon, structuré en six parties —— utilise diverses techniques et matériaux pour y parvenir. Certains touchent l'excentrique, comme l'empreinte 3D de 17 crânes humains, correspondant à leur famille, sur la base des membres biologiques. L'installation exigeait que les minuscules restes de sa sœur et les restes moyens décomposés de son père, tous deux décédés. La liste est cependant longue. Il y a des carreaux de céramique cassés en raison du poids du corps, des poils de leurs proches, des tissus montés sur du bois, des fragments de composés de plafond sur du lin ou de l'aluminium, des semelles de chaussures, des milliers de morceaux d'obsidienne, de post-PS ou d'ailes mariposa mortes naturellement. Il y a aussi des papiers brûlés jusqu'à ce qu'ils soient presque carbonisés, mais pas assez pour se désintégrer.
« C'est une œuvre tellement fragile, mais aussi éternelle, qu'un photographe a généré la tension de penser que la lumière flash pourrait la détruire. Ce genre de tension devient merveilleux », explique l'artiste. La série Burned Papers marque le point de départ dans lequel le créateur mexicain a commencé à se détacher de la nécessité de contrôler son travail. « J'ai commencé une action et tout le reste s'est produit au hasard », dit-il. « J'ai commencé à voir avec les restaurateurs quelles sont les conditions propices à l'art. Si nous investissons tellement de ressources pour maintenir quelque chose dans certaines conditions, que se passe-t-il si nous faisons exactement le contraire? Si nous devons contrôler l'humidité, nous l'exposerons à la grêle, la pluie, les cendres du Popocatépetl Volcano, et verrons ce qui se passe », « les résultats ont été extraordinaires. »
Les résultats incluent des œuvres profondément abstraites et d'autres qui donnent naissance à des portraits où la forme humaine se distingue clairement en arrière-plan qui le contient. Tout cela, sans perdre de vue l'héritage laissé par sa formation architecturale. « J'ai quitté l'architecture il y a 30 ans, mais je savais que je devais y retourner, non pas en tant qu'architecte, mais en tant qu'artiste », explique De La Mora. À sa disposition, il a l'architecture du musée lui-même: la dernière plante du centre d'art contemporain, qui abrite son travail du jeudi 8 février.
Elsa-Louise MANCEAUX ou peinture comme réseau social
L'artiste française Elsa-Louise Manceaux (Paris, 1985) a baptisé ses œuvres en tant que radio-peintures, celles « qui ne peuvent exister sans son, sans projection ». Son échantillon se compose de trois peintures abstraites dans lesquelles ils se chevauchent pour 30 minutes de messages texte qui se reproduisent – en espagnol, anglais et français – l'audio qui est entendu dans la langue d'origine dans laquelle il a été enregistré par un orateur: tout est de vrais enregistrements qui ont échangé avec leurs amis. « Cela m'a permis d'approfondir beaucoup plus dans la réflexion, car il parle du quotidien », explique le créateur. « Ce sont beaucoup de gens qui me disent qu'ils n'ont pas de temps et que nous ne pouvons pas nous voir et que nous devrons annuler. C'est-à-dire qu'ils ne vous disent rien. Vous n'allez rien apprendre de ces notes, mais vous ressentirez le ton de la voix, la chaleur, la relation de diplôme, la proximité.
MANCEAUX explore la peinture comme un moyen de communication en soi, « peut-être la première qui nous permet de raconter », dit-elle. Ce qui l'intéresse le plus est de se demander l'idée de savoir si la peinture est contemporaine ou non. Comment parle de l'époque où nous vivons, de la mise à jour constante à laquelle nous sommes soumis. « Qu'est-ce que quelque chose est obsolète ou historique? » Demande-t-il. Son travail se déplace dans ces zones grises, sur les limites entre l'information et l'émotionnel, le public et le privé, LO, et le projette sous la forme de questions rhétoriques sur ses peintures. « Quand laissez-vous le contenu de l'information? » Lit-on dans l'un d'eux. « La peinture est-elle un réseau social? » En demande un autre.
