« Quand j'étais enfant et que j'ai vu un film dans lequel quelqu'un est incroyable et se réveille soudainement et a été un rêve, j'ai pensé: » Quelle honte, je préfère que tout ce qui s'est passé « , explique le réalisateur Nacho Vigalondo (Cabezón de La Sal, 47 ans). « Chaque fois qu'il y avait un rêve spectaculaire dans ces films, une partie de mon moi enfantin voulait se produire, même au prix du film de devenir fou. » De cette frustration enfantine à l'égard de la réalité, la première tête de série est née, qui arrive ce vendredi dans les chambres en Espagne.
« J'ai imaginé un film dans lequel nous échangions des positions dans la Vigila et le monde des rêves, et que lorsque l'intrigue avançait, le monde des rêves avait une telle solidité qu'il finirait par diluer dans le monde réel », «Vigalo résume, que a tissé une aventure romantique de science-fiction dans laquelle l'inconscient sert de thérapie pour faire face à la dépression, à la culpabilité et au duel. Les trois sont des émotions de famille pour lui. «Ce désir d'imaginer un film dans lequel les rêves sont vraiment réactivés de mon expérience avec le duel, et souffrant l'un de ses symptômes les plus horribles, qui est de se réveiller chaque matin et de recevoir la même terrible nouvelle une fois une fois, parce que vous avait le sentiment d'avoir rêvé de la personne qui n'est plus avec vous; Ce genre de cruauté sous forme de répétition.
Dans, Nicolas (Henry Golding) subit une thérapie expérimentale pour faire face à la dépression après la mort de sa petite amie (Beatrice Grannò, la Daniela du titre) dans laquelle il peut contrôler ses rêves lucides. Contrairement aux indications des scientifiques qui facilitent l'essai clinique, il choisit de rêver de Daniela pour ressusciter et réactiver sa relation. Mais perd bientôt le contrôle.
Ce protagoniste, un homme condamné à faire face à la manière la plus canard de sa propre tragédie, est enclavée dans une tradition d'anti-héros. Bien avant que la toxicité de genre était une boîte aux lettres, le cinéaste cantabrian a séduit le même angle aveugle de confusion masculine pour raconter leurs histoires. «Bien que je comprenne le discours sur la masculinité toxique dans le récit, je dois dire que le sort que certains personnages ratés l'ont toujours eu. Avant 2015, dans lequel l'hégémonie change, j'étais déjà dans celles-ci. Quand ils me parlent de la masculinité toxique comme une tendance, comme une mode, j'invoque toujours le cinéma noir, ou les romans de James M. Cain et Jim Thompson », défend le cinéaste. Et, en effet, sa filmographie le soutient. (2004), le court métrage musical qui a valu la nomination aux Oscars, spéculée avec les centimètres qui séparent l'archétype du héros romantique qui essaie d'impressionner une fille avec psychopathie. Son prochain ouvrage, a choisi underground Recreational comme champ de bataille symbolique pour l'immaturité d'une trente ans -cl comme incapable de grandir comme renonçant à être des preuves Gag visuelle soulevées sur l'icône maladroite qui ne se rend pas compte qu'il est amoureux jusqu'à ce qu'il perd son son partenaire.
Déjà sur le territoire du long métrage, (2007) et (2014), ils traitent du cauchemar de la réticente impliquée dans son propre fantasme érotique d'auto-allaitement de différents fronts – et de genres – tandis que dans (2011) l'épopée masculine de la Suitor in Retreat a joué la grande fermeture poétique d'une comédie enchevêtrée avec un fond de science-fiction. Et ainsi de suite au Golding de Henry, qui croit retourner la vie à une femme jusqu'à ce qu'il se rend compte qu'il ressuscite vraiment sa mémoire pour le mettre au service de ses besoins. « Que savez-vous de vous? » « Je suis ta petite amie », répond-elle. « Et quoi d'autre? » « Je ne sais pas ». Encore une fois, une masculinité brisée jouant pour recomposer le puzzle de son fétichisme.
Autant qu'il reconnaît cette tendance à écrire des personnages masculins de Grisura, Vigalondo résiste à réduire son cinéma à une théorie. «Je ne veux pas revendiquer cela comme un traité sur quelque chose parce que pour moi, c'est un plaisir. Ce sont les personnalités qui m'intéressent le plus. Et je n'ai rien inventé: c'est le type de personnage qui travaille la télévision contemporaine, sans aller plus loin, et est présent dans la littérature de l'un de mes piliers, Philip K. Dick, qui est un catalogue de médiocrités. Les prémisses de leurs histoires sont si puissantes qu'elles va parfois vampire dans la mémoire de la nature de leurs personnages, mais, par exemple, le protagoniste d'un homme pauvre, n'arrive même pas à l'anti-héros, et moi c'est ce qui me séduit » Et il souligne: « Je pense que cela m'attire vers la possibilité qu'un protagoniste n'atteigne pas un héros et pourtant »
Nous ne sommes pas dans la coordonnée de cadran la plus évidente dans la tête de Vigalondo, qui dans ses films a percé le suicide ou les champs magnétiques – la bande-son de Daniela Forever est en charge de Hidrovenesse – et ici surprise en faisant référence à la référence à cette chanson qui Sabina et Enrique Urquijo ont commencé à écrire ensemble à partir du même verset (« c'était une ville avec de la mer / une nuit après un concert ») puis s'est terminée par Séparés, donnant naissance à deux questions indépendantes. « Dans La version de Sabinale narrateur est un scélérat qui conquiert une tante et quand, des années plus tard, quand il revient au même endroit, il voit que dans le bar où il les a rencontrés, ils ont mis une banque, il jette des pierres dans la vitrine. Les secrets Il parle d'un homme qui, tout en chantant dans un concert, traverse son regard avec celui d'une femme aux yeux de chat, et il l'avertit que la personne qu'il représente sur scène n'est pas celle qu'il retire. La chanson parle de l'angoisse d'être consciente que le sort disparaîtra dès que la scène se déroulera. Sabina décrit un anti-héros, mais ici, il y a quelque chose de plus intéressant: un perdant.
Dans le cas de, Nicolas est un protagoniste en principe empathique, agréable, dont nous sympathisons, mais dans le réseau de ses rêves, il fait ressortir un chapelet de méchanceté. Ainsi, nous le voyons rembobiner sa petite amie alors qu'une conversation l'envole – l'état lucide de ses rêves lui permet – et dès qu'elle commence à donner des signes d'être plus qu'un avatar de ses souvenirs pour abriter ses propres souhaits, leur première réaction est de les supprimer, comme le mauvais joueur qui saisit le ballon en montrant un but.
Vigalondo était conscient que ces traces d'obscurité pouvaient expulser certains spectateurs, mais il voulait faire face au public de ce paradoxe. «L'artefact de science-fiction qui se produit ici facilite la question de remettre en question le personnage sachant qu'il est un ange par rapport à ce que nous ferions à la place. Nicolas semble très agressif lorsque Daniela rebondit, et je comprends que je joue à un jeu dangereux, mais nous savons tous que nous serions pire. Si le spectateur était le protagoniste, le film serait insupportable à partir de la 10e minute. Le film doit montrer que flirter avec l'inconscient narcissique, puis amener votre personnage à un lieu de rédemption. Pour le réalisateur, le véritable point culminant est dans l'échange de misères que le personnage d'Henry Golding se produit avec la troisième étape du triangle amoureux de l'histoire, Aura Garrido, une fenêtre à l'empathie et la reconnaissance morale de leurs propres erreurs dans les erreurs de l'autre Particulièrement délicat à l'époque du punitivisme numérique. « Si quelqu'un me dit que le film est destiné aux mauvaises personnes, et que c'est un câlin aux mauvaises personnes, je me sens satisfait de cette leçon. »
Un autre des grands thèmes de la dépression, synthétisé dans les textures pixelisées d'une bande Betacam, colorée et amplifiable en prenant des pilules (le monde réel est présenté en format de bande, tandis que celui des rêves apparaît en panoramique). «L'un des couteaux de dépression passe par l'autosabote pour penser que tout est déjà fait. Il m'a attrapé dans l'un de ceux-ci, a été embourbé dans un puits, puis David Lynch est arrivé avec la dernière saison et nous a montré au soixante-dix-dix ans qu'il avait encore beaucoup à inventer. Le dialogue métaphysique de cette troisième saison de la série Lynch avec la mort et le sacrifice semble trouver son écho, mais vigal cliquez avec la langue avant cette ascendance possible. «Je dirais que j'avais déjà une première version du script quand j'ai vu la fin de. Quoi qu'il en soit, je ne réalise jamais l'influence de mes réalisateurs préférés. Il a fallu du temps pour percevoir qu'il se termine par une ressemblance avec celle de ».
Cette dépression qui a traversé le processus d'écriture a été la première qui lui a diagnostiqué Vigalo, mais pas la première qu'il a souffert. «Le TDAH vous rend particulièrement vulnérable à tout cela. Je me souviens avoir eu des sections dans mon enfance et l'adolescence d'un état mental qui ne comprenait pas et maintenant je sais qu'ils correspondent à une dépression plus ou moins chronique. J'ai été alerte, mais sans tomber. Le processus thérapeutique lui a permis d'apprendre à gérer l'idée de la mort et a fini par infecter de nombreux niveaux. «La seule façon d'esquiver la balle de souffrance pour la mort des autres est d'être vous qui meurt bientôt, et est curieux parce que l'un des symptômes du duel est de vouloir être vous qui est décédé. Il y a une sorte de plaisir à imaginer que c'est vous qui disparaît. Le film en parle. »
L'état innoctible de la mort a fini par séduire Vigalo, même sous un angle créatif. Parce qu'il n'y a aucun moyen de le tromper, dit-il. «Autant que certaines voix défendent qu'il existe des cultures où la mort est célébrée, je me méfie. J'aime (2019), par exemple, parce qu'elle s'en moque. Je pense qu'il n'y a pas de culture où la mort permet une négociation ou une réponse émotionnelle différente. » Le cinéma de genre indique ici comme un alphabet riche en archétypes pour déchiffrer ces angoisses. «Quand j'ai parlé pour la première fois avec un thérapeute sur le duel et expliqué tous les symptômes que je traversais, je pensais que certains étaient impossibles. Par exemple, ont des visions. Mais il était toute la raison du monde. De là, je suis arrivé à la conclusion, dans une certaine mesure belle, que le fantôme représente le duel No Death. Vous voyez quelqu'un, mais bien sûr, c'est une personne que vous ne connaissez même pas: vous ressentez le duel pour un étranger.
«Peut-être que le duel est la seule opportunité que nous devons être folles et revenir de là, de folie, à dire. Dire: « J'ai été un psychotique en ce moment de ma vie, sans aucun contrôle de mes émotions ou de mes désirs. » Ici, son nez est froissé d'inconfort de caresser l'idée de dire quelque chose de très évident mais très splendide, quelque chose d'aussi axiomatique – déjà inévitable – qui a honte d'exprimer haut bien que, en réalité, il ait déjà décidé de le faire: «Non, il n'y a rien de pire que le duel pour un être cher. Rien ne le guérit, pas même la religion. La promesse d'une réunion immédiate ne nourrit que des pathologies connues sous le nom de déni. » La fin de, qui serait inappropriée à révéler ici, nie Vigalondo lui-même proposer, au moins, une route possible, et peut-être la seule possible: celle de la fiction.
